reproducción del cráneo humano con 8 mil 601 diamantes. FOTO EDH / ARCHIVO (100 millones de dólares fue el precio que un grupo de inversionistas pagó por la obra de Damien Hirst).
El 2007 demostró el auge de invertir en arte.
La crisis hipotecaria que comenzó en Estados Unidos y se extendió a nivel mundial transformó este año el arte en un refugio para la inversión frente a otras más inseguras e hizo que las subastas superaran las expectativas.
Nunca antes tantas personas acudieron a exposiciones, desde Moscú a Buenos Aires, ni la prensa informó con tanta amplitud sobre los artistas, hasta el punto de que el arte llegó a las revistas del entretenimiento, que son las que hoy marcan tendencia e impulsan la fotografía de gran formato y la pintura neorrealista, que vive un auténtico renacimiento.
Coleccionar arte, sobre todo de los jóvenes pintores y fotógrafos que producen gran cantidad de obras, se ha convertido en la nueva seña de identidad de aquellos que ayer reunían caballos de carrera y veleros. "El arte se asocia hoy al lujo más inaccesible", comenta una pintora argentina que vive en Marbella.
Francis Bacon de la Marlborough (en Christie's Londres se remató en 21 millones de euros su Study for Portrait II, de la serie papal inspirada en Velázquez)
Según el balance hecho por la feria de arte contemporáneo ARCO, quienes mejor vendieron este año fueron Francis Bacon, cuyo lienzo "Second version of Study for Bullfight No.1" cambió de dueño en Sotheby's por 45,9 millones de dólares, y Mark Rothko, que alcanzó en Christie's con "Untitled (Red Blue Orange)" los 34,2 millones de dólares. Otros artistas altamente cotizados fueron Jeff Koons, Richard Serra, Andy Warhol, Rudolf Stingel, Ed Ruscha o Damien Hirst.
"Los resultados de esta noche, los más espectaculares en los 263 años de historia de Sotheby's, evidencian el hambre que hay en la comunidad global de compradores de arte contemporáneo de la más alta calidad", comentó tras los récords en una subasta Tobias Meyer, jefe de la casa de subastas para Arte Contemporáneo.
Nueva York sigue liderando el mercado, seguida de Londres y con un gran crecimiento del mercado asiático, principalmente China, que roza los talones a las otras dos grandes metrópolis.
Según la agencia DPA en la lista de los más cotizados del arte latinoamericano en 2007 se encuentran: Fernando Botero, Frida Kahlo, Rufino Tamayo, Roberto Matta, Siqueiros, Carlos Orozco, Leonora Carrington o Joaquín Torres-García. Generaron más de 48 millones de dólares en las subastas.Agencia/DPA
El Espacio Fundación Telefónica nos invita a la presentación del XI Premio Fundación Telefónica a la investigación en historia de las artes plásticas en la Argentina.
Año 2007: “El Rol Del Crítico de arte en la Argentina del siglo XX”. Entrega de premios XI Edición y presentación del libro Máscaras y Laberintos de un mercado de provincia. El caso del mercado de arte en Mendoza de los ´60. de Graciela Distéfano. Ganadora del X Premio Fundación Telefónica. Año 2006: Artes plásticas y mercado en la Argentina de los siglos XIX y XX.
El martes 11 de Diciembre a las 18.30 hs. en Arenales 1540, Buenos Aires, Argentina.
Organizado conjuntamente por Fundación Espigas y Fundación Telefónica
Abre Pinta en New York City, la primera feria de arte de América Latina.
"Maldoror", de César Paternosto, reflejado a través de la obra de Rogelio Polesello 'Carved acrylic panels'. foto AFP
La primera feria de arte contemporáneo de América Latina abrió sus puertas el viernes en Nueva York para ofrecer al mercado internacional lo mejor de la producción artística de nuestra región.
Mauro Herlitzka; el director del Museo de Arte de Lima, Juan Carlos Verme; Clarice y Eduardo Costantini; una coleccionista y Diego Costa Peuser, en el Metropolitan Pavilion de Chelsea. foto La Nación.
Cerca de 500 obras en total se exponen y están a la venta, por precios que oscilan entre los 5.000 dólares (3.400 euros), para algunos artistas jóvenes, hasta medio millón (340.000 euros), para obras importantes de los más consagrados.
"Nunca hubo en esta ciudad una concentración de tan alta calidad de arte latinoamericano", explicó Alejandro Zaia, director de la feria 'Pinta', que permanecerá abierta cinco días en el barrio Chelsea de Manhattan. Está integrada por 35 galerías de alto nivel especializadas en arte latinoamericano, 15 de ellas norteamericanas -de Miami, Nueva York o Chicago- y el resto de América Latina, sobre todo de Argentina, Brasil y México.
foto Terra Concebida con cierta modestia de escala, Pinta reúne sólo 34 galerías, de las más importantes de los Estados Unidos, Europa, América del Sur y Europa que se dedican a este sector del mercado. Entre ellas Cecilia de Torres, León Tovar y Hostfelt, de Nueva York; Moka, de Chicago; Alejandra Von Hartz, Praxis y Panamerican Project, de Miami. Fernando Pradilla y Aina Novak, de Madrid; Durban Segnini, de Caracas; Raquel Arnaud y Nara Roesler, de San Pablo; EDS y Ginocchio, de México, y un pelotón de argentinas que integran Benzacar, Vasari, GC Estudio (Gianni Campochiaro y Luisa Pedrouzo), Rubbers, Van Eyck, Apetite, Daniel Abate y Wussman. Cualquiera en el medio sabe que puede acudir a ellas con confianza si busca una buena pieza de Jesús Soto, Xul Solar, Carlos Cruz Diez, Helio Oiticica, Juan Mele, Joaquín Torres García, Gego, Rogelio Polesello, Le Parc o León Ferrari, por nombrar algunos de los artistas más destacados que están en esta feria.
La feria es la faceta comercial de un fenómeno que junto a las grandes subastas y a exposiciones de primer nivel cristaliza en Nueva York un renovado interés por el arte de América Latina y trata de romper estereotipos. "La calidad de cada uno de los cuadros es excelente, los galeristas se han esmerado en traer lo mejor", comentó Patricia Phelps de Cisneros, dueña de una de las principales colecciones de arte de la región. Según la esposa del magnate venezolano de los medios Gustavo Cisneros, "los organizadores han sido muy exigentes en la selección, los montajes y la iluminación. Esto es excelencia, excelencia, excelencia".
Lilina Porter, Marta Minujín y Orly Benzacar en el Metropolitan Pavillon. foto Clarín.
La artista argentina Marta Minujín opinó, por su parte, que "para el arte latinoamericano es importante porque es entrar en el mercado norteamericano y lograr que la palabra 'latino' desaparezca, porque el arte es universal". La reina argentina del arte pop dijo que la creación de su país "aporta vida y cambio. El arte está en la calle, en toda la ciudad, fuera de los museos, el arte está por todos lados". Zaia explicó que "estamos en una sintonía de que hay un arte latinoamericano que normalmente no se conocía que es el abstracto, conceptual, geométrico, que es diferente al estereotipo folclórico".
El marchante argentino, que dirige la feria junto a Diego Costa Peuser y Mauro Herlitzka, dijo que ese sector del arte latinoamericano "tiene una calidad a nivel mundial y desde el punto de vista del mercado está muy barato".
Por su parte, Brian Sepe comparó el fenómeno del arte latinoamericano al entusiasmo que están suscitando los artistas chinos en el mercado mundial. En el caso de América Latina, dijo el experto de Merrill Lynch, "cada país tiene su personalidad propia y cuando todos se juntan, se produce un poderoso mensaje artístico".
Del 16 al 20 de noviembre en el Metropolitan Pavillion de New York. en la calle 18, entre 6ta y 7ma av.
-Instalación de Rejane Cantón (Brasil) y Daniela Kustschat (Brasil). Es una especie de arpa formada con rayos de luz que se proyectan en las pantallas; el espectador acerca la mano a la superficie de la pantalla para producir el efecto de las cuerdas de una arpa. En el Paseo de San Francisco, Plataforma Puebla 2006.-
Viernes 26 de octubre – 18.00 hs por Iliana Hernández García en Espacio Fundación Telefónica: Arenales 1540. Ciudad de Buenos Aires..
Iliana Hernández García es Ph.D. en Arte y Ciencias del Arte con énfasis en Estética por la Universidad de la Sorbona Paris-I. Magíster en Arte y Ciencias del Arte, Opción Video e imagen por computador, en Teorías y estéticas de la Arquitectura y en Proyectos de Arquitectura por la Universidad de la Sorbona y la Escuela de Arquitectura de Paris. Arquitecta por la Universidad de los Andes de Bogotá. Se desempeña como teórica e investigadora en estética y filosofía del arte, estudia la relación arte-ciencia-tecnología y filosofía estética en las creaciones electrónicas y numéricas.
Actualmente dirige el Departamento de Estética de la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y es directora del grupo de investigación en “Estética de las nuevas tecnologías”, escalafonado en categoría A por COLCIENCIAS.
En el marco del 5to Aniversario de la editorial, se abre la recepción de trabajos para su edición
BASES Y CONDICIONES
· Las categorías en que se podrá presentar material son:
· Narrativa (Cuentos/ Nouvelle/ Novela)
· Poesía
· Psicoanálisis/ Lingüística
· Un mismo autor puede participar en más de una categoría. Podrán participar autores que lo hayan hecho en convocatorias anteriores pero no aquellos que las hayan ganado.
· El trabajo deberá encontrarse inédito aunque el autor puede tener obras editadas anteriormente.
· Se entregarán tres copias por cada una de las categorías, en sobre cerrado datos personales (nombre, apellido, teléfono y dirección de e- mail). No es necesario utilizar seudónimo. No se aceptarán trabajos en diskette ni vía e - mail.
· La extensión de los trabajos requerida en narrativa, lingüística y psicoanálisis será de 50.000 palabras de extensión máxima y 10.000 palabras de extensión mínima. En poesía, se requiere un mínimo de 20 poemas.
· La recepción de los trabajos se extenderá desde el lunes 10 de setiembre hasta el viernes 30 de noviembre de 2007.
· El material debe remitirse personalmente o por correo a iROJO Editores: F. D. Roosevelt 1877 Torre Horizonte 1 4to piso Of. “4” Capital. CP (1428) de lunes a viernes de 9 a 13.00 hs.
· El autor abonará la suma de $10,00 por trabajo presentado, en concepto de inscripción a dicha convocatoria. Dicho importe podrá enviarse en el sobre junto con el material o mediante giro postal (Western Union, en el caso de autores residentes en el extranjero).
· Finalizada la convocatoria, todo autor tendrá una entrevista con los editores donde se le realizará la devolución de la obra y se le adjuntará un informe con la evaluación de la misma (breve análisis literario del material, potencialidad de inserción comercial del mismo, plan de marketing, etc.).
· Los títulos seleccionados se darán a conocer vía mail y página web de la editorial el viernes 7 de diciembre de 2007.
· Los autores seleccionados serán editados por iROJO Editores sin costo alguno para los mismos, previa firma de contrato editorial.
· Una vez editadas, las obras se presentarán en el Centro Cultural Gral. San Martín o Biblioteca Nacional y contarán con todo el apoyo publicitario y de difusión a cargo de la editorial.
· Los libros editados estarán distribuidos y disponibles en librerías de cadena y especializadas en literatura.
JURADO DE LA CONVOCATORIA
Lic. Nancy Garín (Lic. en Estética e Historia del Arte- Universidad Católica de Chile- / Periodista – Universidad Andrés Bello de Santiago de Chile).
Lic. Elizabeth Lerner (Lic. en Letras – UBA-). Docente universitaria y escritora.
Lic. Andrea Fernández Schlam (Lic. en Letras – UBA-). Directora de iROJO Editores. Responsable de Proyectos de crítica y análisis literario. Dirige la revista literaria iROJO- Lecturas múltiples para textos posibles.
Sr. Alfredo Malnatti. Empresario editorial. Director Administrativo de iROJO Editores y Director de Léctica Ediciones.
Dr. George Lockart (Medicina- Univ. Maimónides). Se ha especializado en el área de Psiquiatría y Psicoanálisis.
Más información en iROJO Editores F. D. Roosevelt 1877 Piso 4 Of. 4 – 10 a 15.30/ Tel : 54011 4780 2514 / info@irojo.com.ar/
La Documenta número 12 de Kassel cerró con nuevo récord histórico de visitantes.
*La Documenta, la exposición de arte moderno más importante del mundo que se celebra en la ciudad alemana de Kassel, cerró hoy, lunes 24 de septiembre, sus puertas después de 100 días, con un registro de 754.000 visitantes. Superó en 100.000 a la Documenta 11, realizada hace 5 años. A esa cantidad de visitantes se suman 4.400 corredores de arte de todo el mundo y 15.500 periodistas acreditados.(a la Primer Documenta en 1955 concurrieron 130.000 visitantes) *La tercera parte de los visitantes de la documenta 12 provino del exterior, en primer lugar de Holanda, seguido de Estados Unidos, Francia, Bélgica y Austria. *Este año se registró un marcado incremento de visitantes de Europa Oriental, encabezados por los polacos. También aumentaron los visitantes de Australia, Estados Unidos y China en 6to. lugar. *530 obras de 114 artistas. La más grande era un campo de arroz del tamaño de una cancha de fútbol, del tailandés Sakarin Krue-On. *Casi la mitad de los artistas eran mujeres y más de la mitad de Asia, África, Sudamérica y Europa Oriental. Otros 55 artistas eran europeos occidentales, norteamericanos y 1 de Australia. Estados Unidos: 16, Alemania: 15, fueron los países que más artistas aportaron. Les siguió España: 5. *Los más destacados fueron: Iole de Freitas, de Brasil, Ai Weiwei, de China, Sakarin Krue-On, de Tailandia, y Romuald Hazoumé, de Benin
En otro post publicaré lo de Argentina, con León Ferrari, y Tucumán Arde... instalaciones llevadas por personal de limpieza... derrumbes de obras que hicieron duplicar su precio... curiosidades de la Documenta y fotos... en próximos post!
La próxima Documenta se realizará entre el 9 de junio y el 16 de septiembre de 2012. Habrá que ir ahorrando.
estarías celebrando tu cumpleaños 47 (Basquiat en Mudd Club)
No pienso en el arte cuando estoy trabajando. Intento pensar en la vida…
(Jean-Michel Basquiat_Left Eyes_New York_USA)
Jean-Michel Basquiat
SAMO - la estrella fugaz.
Basquiat rare interviewed -Samo as an alternative to god-
Nada predispuesto a aparecer en los catálogos de los museos ni en las colecciones privadas. Llevado en 1960 a Brooklyn (Nueva York)
Basquiat perteneció a las “minorías raciales”: de padre haitiano, y de madre portorriqueña.
(Jean-Michel Basquiat, Portrait_New York_USA)
Después del divorcio de sus padres, tuvo problemas en su difícil educación escolar interrumpida por sus muchas escapadas. entónces estaba muy lejos del mundo del arte.
Rebelde temprano, no perdía ninguna ocasión para dibujar y obtenía la atención benévola de sus padres y sus profesores de muchas de las escuelas privadas adonde fue.
Dotado para el dibujo y animado por su madre con quien iba regularmente al MoMA y al Met (Museo Metropolitano) de Nueva York, recibió de su madre el famoso libro de anatomía humana escrito por Gray. Este será un regalo determinante, que lo acompañará en muchos trabajos que le dedique a la anatomía del cuerpo humano: “Diría que mi madre me dio todas las cosas primarias. El arte me viene de ella." dijo.
(Jean-Michel Basquiat_Lee Jaffe_New York_USA)Siendo un joven, hará varias escapadas durante las cuales tendrá sus primeros acercamientos a la droga. También coinciden con una determinación salvaje de convertirse en famoso, y con solo dieciocho años se va definitivamente de su casa familiar.
Jean-Michel Basquiat -Pics and vides-
El movimiento graffiti en las calles y en los vagones del subterráneo estaban organizados de una manera jerárquica, los autores de las etiquetas (firma) debían lograr sobrellevar toda clase de pruebas antes de poder colocar, con todal ilegalidad, el nombre "firma" que eligieron para los vagones de los subtes. Jean Michel Basquiat identifica su patrimonio con la firma “SAMO” etiqueta superada por una corona y una muestra del copyright que él comienza a raspar en las paredes y los edificios del bajo Manhattan. Nunca marcó los vagones del subte con su firma. La “Village voice” lo nota. Para vivir, dibuja y vende las postales e ilustra remeras.
En el '80 hace uno de los taggers principales raspando las paredes de los edificios; dos de ellos se convierte en exponentes memorables: Keith Haring, que dio ritmo a sus etiquetas dibujadas en superficies, y Jean-Michel Basquiat, que eligió las etiquetas percuting violentas de la American National Standard que estropeaban el aspecto del material marcado.
(Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol_Richard Schulman, 1984_New York_USA)
Ambos están cerca de Warhol. Han encontrado su inspiración en esta auténtica cultura popular: la vida de las calles y del subterráneo de Nueva York. Esta práctica popular es muy activa en la Nueva York de los 1970s.
(Jean-Michel Basquiat_Warrior, 1981_New York_USA)
El graffiti de Jean Michel Basquiat expresa la búsqueda de su identidad y una rebelión a la pobreza de las comunidades multi-etnicas que viven en los ghettos de las ciudades en donde existen una exagerada mediatización y una sociedad de consumo exacerbado.
La cuestión del racismo lo ocupa desde temprana edad. La mayoría de sus trabajos evocan la dificultad de ser negro. Su certeza que encuentra dificultad en lograr su lugar en un mundo de la gente blanca. esta reflexión en la raza negra la lleva dentro de sus pinturas, cantada tan bien por Aimé Césaire en sus discursos y la poesía "négritude".
“My négritude is not a water slip died on the dead eye of the ground , my négritude is neither a tower nor a cathedral it plunges in the red flesh of the ground, it plunges in the burning flesh of the sky , it perforates the opaque overwhelming pressure of its line patience.”
(Jean-Michel Basquiat, Zydeco, 1984_New York_USA)
La actividad no permitida de los taggers y las grandes performances hacen irrupción en el mundo artístico. La exposición de Nueva York, "New Wave", organizada en 1981 por Diego Cortez en el espacio “alternativo” de PS1 (Nueva York), es la primera exposición pública. LLevado a la tela, el graffiti está listo para la venta. Algunos de sus autores son los “artistas”, en los cuales las galerías están interesadas en exhibir sus producciones en lugar de las producciones austeras de las pinturas de los 70s. A Basquiat se lo reconoce como un gran artista; vuela de un éxito otro. Comienza con una exposición en la galería de Emilio Mazzoli en Módena (Italia) luego en la galería Anina Nosei en Nueva York (la misma donde expuso Kuitca en 1991), seguida por muchas otras.
(Jean-Michel Basquiat_Untitle, 1982_New York_USA)
Tiene solo veintidós años cuando participa en Documenta 7 de Kassel, donde están Gerhard Richter y Sigmar Polke. Jean Michel Basquiat es el artista más joven de esta gran exposición.
Bien lejos del graffiti, sus trabajos se afianzan como pinturas y se asocian a los del arte italiano de trans-vanguardia (colaborará después con el pintor Francesco Clemente, y Andy Warhol).
En la tela se ven aplicadas agunas fotocopias color, en algunos lugares, pero también en soportes menos tradicionales están las barreras en las cuales están dibujadas grotescas y oscuras figuras, palabras o fórmulas, signos más o menos descifrables, intersectados con colores ásperos.
Escribe citas extraídas de medios, y también aparecen los fragmentos autobiográficos (la corona de Samo) y elementos prestados del culto del voodoo (aserción de su “négritude”).
(Jean-Michel Basquiat_Piano lesson for Chiara, 1983_New York_USA)
La pintura de Basquiat se refiere tanto al arte primitivo, como al arte áspero o Cobra, que con la gran tradición americana, de Rauschenberg con Cy Twombly. Y Keith Haring, técnico-plástico amigo de Basquiat, había sido capaz de afirmar, en 1983: “Hizo la segunda revolución del arte de Nueva York después de la aserción de las mujeres en la pintura. ” Fijando “un bestiario de palabras” según el crítico David Shapiro que compara el arte de Basquiat con “el gesto de la canción medieval, él es
“un poeta de la calle que penetra en el living de la alta sociedad”.
En 1981, se introduce a Andy Warhol. Es el principio de una gran amistad entre estos dos hombres, ambos seducidos simultáneamente. Basquiat pasa las noches filosofando con su ídolo. La libre exposición Figuration France/USA organizada en 1984 por el museo del arte moderno de la ciudad de París dedica oficialmente Figuración Libre a esta movida “compuesta de los pintores: Remi Blanchard, François Boisrond, Roberto Combas, Herve Di Rosa, enfrentándolo con la generación de los graffitists de Nueva York (Jean-Michel Basquiat, Crash landing, Keith Haring, Kenny Scharf). Uno puede medir en esta ocasión qué se asocian, pero también se diferencian a los pintores americanos y los franceses.
El movimiento Graffiti de Nueva York perderá a sus dos líderes en menos de dos años: Jean Michel Basquiat en 1988 (12 de agosto varios días antes del cuál habría sido su segundo viaje a Costa de Marfil) después de una sobredosis, y Keith Haring, muerto de SIDA, el 16 de febrero de 1990.
(Keith Haring y Basquiat, juntos)
Nunca un artista había tenido un éxito tan rápido; Con veinticinco años, había pintado por solamente cinco años, siendo tapa de las principales revistas de NY, y dos museos europeos dedican una exposición retrospectiva de él¡fantástico!
Basquiat painting live 1981
Slide Show- Jean Michel Basquiat
Jean Michel Basquiat pertenece al Pantheon de los negros famosos. lo es junto a sus dos ídolos, el boxeador Ray Sugar Robinson y el saxofonista Charlie Parker a quien llamaba “Rey Charles”. Jean Michel Basquiat sigue siendo no una leyenda, sino por lo menos una figura emblematica de los años los 80s.
Este año habría celebrado su cumpleaños 47.
The Jean-Michel Basquiat Show [Milano, Triennale, Palazzo dell'Arte]
"La única manera de comunicar directamente una idea es mediante un ícono; y todo método para comunicar una idea debe depender para su concreción de la utilización de un ícono". (C. S. Peirce, 2-278 Ecrits sur le signe, pág.149). Parece que Warhol tenía bastante claro este tema.
Andy Warhol: A Celebration of Life ... and Death.
Andy Warhol (1928-1987) es uno de los artistas seminales del vigésimo siglo. Los temas gemelos de la vida y de la muerte son centrales a una comprensión de su trabajo. En su arte él celebró la riqueza de la vida moderna, de productos de consumo diarios a las imágenes icónicas de celebridades y de estrellas de cine. La muerte en todos sus modos lo fascinó igualmente: la muerte del alto perfil de Marilyn Monroe; el asesinato político del presidente Kennedy y su efecto en la viuda; la muerte espantosa de los desplomes y de los suicidios del coche; y muerte como símbolo universal en sus pinturas de cráneos. La exposición cuenta con un catálogo que marca el aniversario de ochenta años del nacimiento de Andy Warhol y el vigésimo aniversario de su muerte, cubre el espectro entero de su trabajo e incluye los dibujos tempranos producidos cuando él era artista gráfico; sus retratos de las celebridades de los años 60s hacia adelante; sus películas e instalaciones; y su trabajo más icónicos tal como latas de la sopa de Campbell, cajas de Brillo y sus screenprints de Marilyn Monroe, Liz Taylor, y Elvis Presley. por Keith Hartley con traducción casera de Angie Röytgolz
Se encuentra abierta la inscripción para la Cátedra UNESCO de Turismo Cultural
UNTREF/AAMNBA SEMINARIO INTERNACIONAL Ecoturismo Una mirada responsable para su desarrollo sostenible
Del 27 de agosto al 3 de diciembre de 2007 Los lunes, de 17.30 a 20.30 Auditorio de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes Av. Figueroa Alcorta 2280, Buenos Aires
A lo largo de 56 horas cátedra, los lunes, de 17.30 a 20.30, con la dirección académica de Claudio Bertonatti, especialistas de Estados Unidos, España, Colombia y la Argentina compartirán sus conocimientos sobre las oportunidades, desafíos, errores y aciertos de esta especialidad en pleno crecimiento. Se apuntará, así, a revisar experiencias con un criterio preventivo y constructivo, aspirando a formar a los asistentes en los fundamentos del ecoturismo, en la interpretación del patrimonio natural y cultural, y en una modalidad de aprovechamiento turístico compatible con su conservación y posibles beneficios para las comunidades locales.
El esfuerzo pedagógico de este seminario tiene por objetivo iniciar, orientar o fortalecer iniciativas turísticas de un modo más responsable y comprometido con el patrimonio natural y cultural y con las comunidades vecinas. Paralelamente, se presentarán herramientas y técnicas de comunicación que permiten mejorar la calidad de los servicios. Si logramos alcanzar estos cometidos, el turismo dejará de preocupar a los estudiosos y administradores del patrimonio para transformarse en una buena empresa y en el mejor aliado de su conservación.
Está dirigido a operadores turísticos, agencias, guías, administradores de los recursos naturales y culturales, entidades de bien público, instituciones académicas y a los propios turistas.
Este seminario internacional cuenta con el apoyo de la Embajada de Colombia en la Argentina y de Avianca.
Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. Av. Figueroa Alcorta 2280 (1425) Buenos Aires, Argentina. Te. 54-11-4803-4062/ 4804-9290; Fax: 54-11-4806-5885; E-mail: cursos@aamnba.com.ar ; website: www.aamnba.com.ar
CATEDRA UNESCO DE TURISMO CULTURAL
Se trata de una iniciativa conjunta de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, cuyo rector es el Lic. Anibal Jozami y de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, que preside Nelly Arrieta de Blaquier, en un interesante ejemplo de asociación público-privada tendiente a desarrollar conocimientos e investigaciones que promuevan la protección del patrimonio cultural, material e inmaterial, con un enfoque interdisciplinario e intreinstitucional, orientado a sentar las bases de un turismo sostenible.
Ahora el diario La Nación también tiene su revista de cultura.
Al igual que su colega y competidor Clarín con revista Ñ (fotito), todos los sábados, el diario La Nación también tiene su propia revista de cultura: adnCultura.
La presentación en sociedad se realizó con una concurrida fiesta lanzamiento en el Roof Garden del Hotel Alvear, con Fito Paez en el programa del evento.
fotos de perfiles de Auster y Eloy Martinez por Vicente Pouso
No se si coincidirán (ya me lo harán saber) para mí, la mejor nota es la de Tomás Eloy Martinez en diálogo con Paul Auster: Encuentro en New York
* En una de sus secciones sin firmar, se intenta mostrar que pasa en la blogosfera argentina.
*La Agenda tiene buen diseño pero para lo esperado por La Nación, es pobre en contenido, seguramente se irá perfeccionando con el tiempo.
En resúmen es una revista muy bienvenida. Para estar todos atentos, los que pertenecemos al mundo de la cultura, tanto artífices, protagonistas como espectadores y curiosos. Punto débil, tal vez si el autobombo fuera más sutil?
Mona Lisa descendiendo una escalera ó Fragmentos de la historia de la pintura. Estaba justamente pensando en algún regalito para los chicos en estas vacaciones de invierno, cuando inesperadamente Karina Crespo, bajo el nickname de "lalunaesmilugar" ofrecía en Twitter dar un vistazo a este video, muchos de ustedes seguramente ya lo han visto pero estaría lindo compartirlo con los chicos, sobre todo en las clases de arte del cole, tal cual lo hace el Instituto Hermán Hollerith. Gracias Karina
Dirijido y producido por Joan C. Gratz . USA 1992. Cortometraje de animación en dos dimensiones que combinan obras maestras de 35 notables artista de fama y prestigio en la historia de la pintura, en solo 7 minutos de morphing con la Mona Lisa como punto de partida. Ganador de el Oscar al Mejor Cortometraje de animación en 1993. La Golden Conch de Bombay en 1994, el City of Melbourne Award en 1993, y el Media Prize en el Ottawa International Animation Festival de 1992.
Pueden encontrar ricos comentarios y más información acerca de cómo fue hecho en Lines & Colors
Me lo acaba de enviar Leticia de Bloggerscut. Es un video de la peli con la canción de Aleks Syntek, "El Lado Obscuro del Amor", interpretada por Alejandro Fernández. Dicen que él es uno de los cantantes más importantes de México en el momento. Ganador del Grammy Latino y apadrinado por Luis Miguel, Alejandro es hijo de un gran exponente del la canción ranchera, Vicente Fernández, conocido como "El Potro", y justo por eso lleva el apellido de "El Potrillo"!
Parece que al momento de este post, el video es exclusivo e inédito! Nadie ha escuchado la canción, nadie ha visto este video! Los de Bloggercuts aseguran que acaban de subirlo a YouTube y nos están enviando el link con exclusividad! es cierto, al igresar a verlo solo tenía dos visitas... cuántas tendrá ahora?... ... y ahora?
FERVOR DE BUENOS AIRES. DIBUJOS DE ARQUITECTOS ARGENTINOS Esta exposición, pone de manifiesto a través de la obra de diversos arquitectos argentinos como: Federico Aja, Mario Roberto Álvarez,Antonio Antonini,Jacques Bedel, Ruben Cherny,Roberto Converty,Enrique Cordeyro, Mederico Fraive,Roberto Frangella,Rodolfo Miani y Lucio Neumann entre otros,que la arquitectura puede definirse como la invención de un paisaje cultural, que supone acuerdos entre espacio geográfico y tiempo histórico, entre arte y sociedad, entre mundo y lugar, entre medios y fines.
Un total de 30 arquitectos argentinos contemporáneos muestran desde el 26 de julio hasta el próximo 2 de septiembre, en el Institut d'Art Modern Contemporani (IVAM), los edificios "más emblemáticos" del país construidos en los últimos años a través de 80 dibujos, que "rinden homenaje a las primeras aristas, las primeras amazonas y las primeras lineas que sujetan los esqueletos de las viviendas", explicó la directora de la institución, Consuelo Ciscar. -EUROPA PRESS/ Valencia-
La muestra, bajo el título 'Fervor de Buenos Aires', comisariada por Jorge Glusberg, arquitecto y director del Centro de Arte y Comunicación de Buenos Aires, recoge una selección de dibujos --bocetos, croquis y otros diseños-- en los que se refleja "libremente" el espíritu creador de los artistas frente al edificio a construir, puntualizó.
(...) Estos primeros bocetos vienen aparejados a una etapa de gestación intelectual, en la que el arquitecto, según explicó Ciscar, "anticipándose a los demás", se imagina lo que será el espacio diseñado, "no solamente como objeto en sí, sino en relación con las necesidades que debe satisfacer en el hombre y en el entorno". En esta línea, subrayó que los dibujos "mantienen una firmeza" en el propósito y "destacan" por su "belleza" entendida como la 'naiveté' de lo primitivo que "recuerda a trazados de artistas como Joaquín Torres-García; Jean-Michel Basquiat o Jean Dubuffet". Estas imágenes "nos hablan, nos dejan de sus mensajes, su interpretación de la vida, en definitiva nos ofrecen una valiosa información que naturaliza el hecho arquitectónico, en muchas ocasiones agresivo con el entorno", matizó.
Entre los arquitectos argentinos que participan en la muestra se encuentran "tres grandes maestros", que son, a juicio de Glusberg, Clorindo Testa --probablemente el arquitecto argentino más importante del siglo XX--; Mario Roberto Alvarez y Justo Solsona. Así mismo, se encuentran dibujos de Federico Aja; Antonio Antonini; Jacques Bedel; Flavio Janches; Rubén Cherny; Enrique Cordeyro; Roberto Converti; Mederico Faivre; Roberto Frangella; Matías Gigli o Jaime Grinberg.
La Red de Diseño (Asociación Amigos del Centro Metropolitano de Diseño), con el apoyo del Centro Metropolitano de Diseño, invitan a profesionales y estudiantes avanzados argentinos de arquitectura, diseño gráfico e industrial a participar del Laboratorio de Diseño Infinit.
El Laboratorio fue creado para la exploración y el desarrollo de conceptos, productos y servicios de Infinit a partir de nuevos escenarios de consumo abordados por la marca y se estructura en dos workshops consecutivos: Gifts & Home Workshop: Gráfica aplicada a gifts de la marca y línea home (dirigido exclusivamente a profesionales y estudiantes avanzados de diseño gráfico). Desde el 14/8 al 18/9. Retail & Products Workshop: Diseño de isla para paseo comercial, exhibidores, packaging y productos para la línea home (dirigido exclusivamente a profesionales y estudiantes avanzados de diseño industrial y arquitectura). Desde el 25/9 al 30/10.
A partir de esta convocatoria se seleccionarán entre 15 y 20 participantes para cada uno de los workshops que conforman el Laboratorio, quienes podrán: 1. Ganar premios de entre $3.000 y $6.000 con los proyectos desarrollados 2. Acceder a un contrato para desarrollar proyectos dentro o fuera de la empresa.
Consultá las bases y condiciones en www.red-d.org.ar Cierre de inscripción: 5 de agosto
Lunes 23 a las 18 hs. Inauguración de la muestra Manuel Puig presenta en el Centro de Museos de Buenos Aires, Av. de los Italianos 851, Costanera Sur. Ciudad de Buenos Aires.
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El Museo Isaac Fernández Blanco organizará entre el 23 de Agosto y el 21 de Octubre del 2007, una muestra retrospectiva de la obra de Robert Frank, artista fundamental de la fotografía universal.
Protagonista del movimiento Beatnik y admirado por su principales impulsores como Allan Ginsberg o Jack Kerouac, supo dar a la fotografía una nueva razón de ser, un camino que ha influenciado a la gran mayoría de los fotógrafos actuales renovando la forma de mirar, transformando la mera contemplación en un ejercicio de critica mordaz, de poesía visceral, donde los valores lineales de la realidad se subvierten en nuevas formulaciones, alejadas de los estereotipos preestablecidos.
Con motivo de este exposición, el Museo Isaac Fernández Blanco y la Escuela Argentina de Fotografía convocan a los estudiantes de fotografía y autores noveles a presentar sus obras con el objetivo de realizar una muestra homenaje que se presentará en el mismo museo entre el 18 y el 30 de septiembre del 2007, en el marco de la retrospectiva del gran artista.
Bases
Se podrán presentar hasta cinco fotografías por autor, las mismas no deberán tener su lado menor inferior a los 18cm y su lado mayor no deberá superar los 30 cm, debiendo indicarse la obra o serie de obras de referencia de la obra de Frank. Las imágenes deberán presentarse montadas, en paspartout blanco 40x50 cm. En el dorso del montaje deberá figurar nombre, edad, dirección postal, teléfono, e-mail del autor, e institución educativa a la que pertenece o perteneció. Los envíos o presentaciones deben hacerse en Suipacha 1422, de martes a viernes de 14 a 19 horas hasta el día 11 de septiembre inclusive. La selección estará a cargo de profesionales de ambas instituciones. Todos los trabajos, seleccionados o no, deberán ser retirados después del cierre de la muestra y hasta el 31 de octubre, pasada dicha fecha no podrán reclamarse dichos trabajos. Los fotógrafos conservan sus derechos de autor de acuerdo a la ley 11.723. Cualquier cuestión no prevista en el presente reglamento, deberá ser resuelta por los organizadores.
La Barraca Vorticista nos invita a la muestra simultánea a presentarse en SomArts Bay Gallery, San Francisco (EE.UU.) con obras de archivos de los artistas Anna Banana (Canadá), Jas Felter (Canadá), John Held Jr. (EE.UU.), Eleanor Kent (EE.UU.), Patricia Tavenner (EE.UU.) y de artistas argentinos invitados por Vortice Argentina.
Curada por Eleanor Kent, Fernando García Delgado y Juan Carlos Romero.
Artistas Argentinos: Rodrigo Álvarez, Laura Andreoni, María Rosa Andreotti, Alejandra Bocquel, Andrea Cárdenas, Mónica Christiansen, Jorge Daffunchio, Rosa Farfán, Fernando Fazzolari, Paula Ferraresi, Fernando García Delgado, Mabel Giaccarini, Viviana Macías, Maribel Martínez, Norberto José Martínez, Dolores May, Nora Menghi, Alberto Méndez, Carolina Montano, Omar, Hilda Paz, Juan Carlos Romero, Patricia Salas, Víctor F. Sitá Javier Ildefonso Sobrino, Ana Suárez, Roxana Villarino, Ivana Vollaro
Inauguración: jueves 5 de julio a las 19 hs. en Estados Unidos 1614 Barrio Montserrat · Ciudad de Buenos Aires . Argentina
El sitio de Internet “Your Gallery” busca repetir el fenómeno “YouTube” en el mundo de las bellas artes: una galería virtual ilimitada, que puede revolucionar el mercado y la manera de consumo de las obras.
El lunes 21 de mayo se lanzó en Pekín, China, la versión en idioma mandarín de Your Gallery, el emprendimiento de Charles Saatchi destinado a hacer del arte lo que YouTube hizo con los videos. Con este gesto, el célebre mecenas e influyente coleccionista continúa moviéndose en dirección a modernizar su imperio artístico.
Todo comenzó mientras esperaba la inauguración de la nueva Saatchi Gallery, en el céntrico barrio de Chelsea, Londres, prevista para noviembre de 2007. Su propietario quiso darse un gusto y lanzó un ámbito virtual para que todos los artistas que deseen, se proyecten al ciberespacio y por consiguiente al mundo con el respaldo que representa su nombre. También aporta materialidad y firmeza su próxima sede real, cuyo planteo dialoga con el proyecto para la Internet. Ni lento ni perezoso, su segundo paso ha sido comenzar a incorporar colectividades, y lo hizo a lo grande. Tanto los misteriosos artistas contemporáneos chinos, como los nuevos ricos de ojos rasgados, suponen el mayor mercado global y, a la vez, un enorme abastecedor de obra de arte del mundo.
Esta democratización comienza siendo desinteresada ya que su uso, como visitante o como artista exhibido, no tiene cargo, ni comisión por transacción. Sin duda, este factor del espacio de exhibición virtual ha propulsado una magnífica acogida por parte de los creadores y los públicos. Mientras se escribe este texto, el portal acusa haber recibido 43.442.770 de visitas en las últimas 24 horas de funcionamiento. Cabe señalar que la media es de 20 millones al día.
Pareciera haber un error en el tacómetro virtual de Your Gallery, si tenemos en cuenta que el Museo del Louvre, por cierto el más exitoso del mundo en cantidad de entradas cortadas, recibió durante el año pasado 8.3 millones de visitantes, batiendo todos sus récords previos, y aunque a sus directivos no les guste, con la propulsión extra que supuso el libro y la película El Código da Vinci.
El portal de Saatchi, que debe estar viviendo una explosión de hits, fruto de una excelente recepción que le brindó la prensa y el delirante flujo de internautas orientales, recibió en menos de ocho horas, la misma cantidad que un año de trabajo del museo emblema de París. Esto quiere decir que, habiendo pasado tres días desde que se visitó la web, habrán ingresado la misma cantidad de visitantes que hacen cola durante una década para entrar al Louvre. A este paso será difícil explicarle a nuestros hijos como son los cuadros en la vida real.
Miles de artistas. Alojado en www.saatchi-gallery.co.uk/yourgallery , Your Gallery y StuArt (sub-espacio destinado a estudiantes) acumulan desde 2006 a docenas de miles de artistas del mundo entero (algunas fuentes hablan de 40.000), apoyándose en un criterio de consumo virtual que hace furor con sitios como YouTube o My space. Posee un home inicial sencillo, nada de propaganda por el momento, y una extensa lista alfabética de artistas expuestos. Sus botones, muy textuales, son elementales, y entre estos se destacan los accesos a muestras como "Nuevo arte chino", "El triunfo de la pintura" y, entre otros, el apartado de arte callejero.
Para subir material e interactuar con los contenidos más allá de la simple visita, hay que registrarse.
La financiación, se supone, vendrá por vías indirectas como la publicidad. Cabe señalar, que el ámbito es ideal para las piezas multimediales. Debido a que la virtualidad no tiene límites en el equipamiento para montar la muestra, se pueden colocar obras que van desde la pintura hasta el videoarte (algo que, por ejemplo, algunas salas o museos tienen dificultades para ofrecer en su sede física).
Muchos críticos, que han aplaudido unánimemente el proyecto, consideran que este espacio es ideal para el intercambio entre curadores, expertos y artistas, además de abrir el mercado del arte -históricamente reducido a personas con grandes posibilidades económicas- hacia cibernautas de bolsillos más delgados.
Pero, a título de beneficio, hay que resaltar que el propio Charles Saatchi afirma mirar todas y cada una de las obras que se allí se cuelgan, haciendo válida la polisemia de colgar on line, y colgar cuadros en salas de exhibición. Y, aunque ha prometido no comprar nada por ahora, para no calentar los precios, ya ha punteado una lista de obras que le interesan y ha concluido, también, que "en términos generales, contemplar las obras en el sitio Web te ofrece las mismas proporciones que cuando visitas estudios y galerías: un 20 es muy bueno, otro 20 por ciento muy malo, y el resto es simplemente aceptable", según le comentó al diario El País, de España.
De los resultados en ventas se puede decir poco por ahora pues impera cierta discreción característica del mercado de las bellas artes. Un mercado que en materia de dinero nunca ofrece certezas, sobre todo al filtrar información a la prensa.
Cordobeses en Your Gallery. Vía Margutta es una de la referencias cordobesas con lugar propio en este portal web. La galería local propone obras de Mateo Argüello Pitt, Hugo Aveta, José Benito, Ernesto Berra, Raúl Díaz y Nina Molina. Es difícil encontrar otros artistas argentinos, aunque sí están presentes algunas instituciones nacionales, siendo mayoría absoluta en todas las áreas los norteamericanos, seguramente los mejores alumnos.
Esta tendencia mundial de exhibiciones virtuales, en algunos casos con la opción de autogestionar la subida de material, no encuentra eco en la comunidad local. A nivel nacional se promocionan, escasamente, algunas propuestas que se apoyan en estructuras un poco amateurs y bastantes naif. Siguiendo el análisis de la realidad argentina, en cuanto a criterios y planteos curatoriales, casualmente lo que se destaca en Your Gallery, reina la inexperiencia.
En rigor de verdad, el problema de escasez de recursos humanos capacitados para la manipulación de obra, en las páginas de este tipo, no es otra cosa que la traducción de lo que pasa en muchas salas reales.
Por otro lado, a diferencia de la escena internacional, en la Argentina aún se discute si las muestras de arte son actividades para una minoría, una elite intelectual, o si es conveniente difundirlas masivamente, invirtiendo tiempo y recursos en un proyecto que, encima, considera que todos son iguales. Un proyecto, como puede ser esta galería virtual, masiva en convocatoria, (y perdón por la licencia) comunista en el trato con los artistas.
